Tanto vestido blanco (canción popular): el pobre que ostenta riquezas en un ambiente de sensualidad

Ya sabéis que de vez en cuando me gusta dedicar alguna entrada a analizar coplillas de corte tradicional, autoría anónima, origen incierto (su fecha de creación es desconocida), y transmisión popular, que en ocasiones forman parte del cancionero universal infantil

Muchos niños pequeños dinamizan sus juegos (corros, saltos a la comba o pruebas de echar a suertes) con cancioncillas de ritmo pegadizo y estructura sencilla, plagadas de recursos y efectos fónicos (rimas, aliteraciones...)

El poema que vamos a analizar hoy se incorporó como fragmento dentro de la conocida zarzuela Agua, azucarillos y aguardiente (1897). El libreto fue compuesto por Miguel Ramos Carrión, y la música por Federico Chueca.  

En una escena, unas niñas de corta edad se ponen a jugar en corro al son de una copla infantil, que se ha transmitido a lo largo de los siglos: Tanto vestido blanco

En el género chico es frecuente adherir temas de corte popular (que existen previamente en nuestro folclore, antes de componerse la zarzuela y son conocidos por todo el mundo, pues se irradian de generación en generación). Los personajes, en medio del acto, se encargan de recitar y cantar dichas coplas con el objetivo de ambientar y dar vidilla a las escenas más costumbristas y descriptivas. 

Enlace de la canción: https://www.youtube.com/watch?v=0M4cEKzEqrA

Tanto vestido blanco

Tanta parola
Y el puchero a la lumbre
Con agua sola

Acitrón tira del cordón
Si vas a a la Italia
Donde irás tu amor mío que yo no vaya

El puchero está roto
Tiene una raja
Y por allí se salen
Las calabazas

Acitrón tira del cordón
Si vas a Valencia
Donde irás tú amor mío sin mi licencia

Tengo las calabazas
Puestas al humo
Al primero que llegue
Se las emplumo

Acitrón tira del cordón
Si vas a Valencia
Donde irás tú amor mío sin mi licencia

Tanto reloj de oro
Tanta cadena
Luego van a su casa
Y no tienen cena

Acitrón tira del cordón
Si vas a Valencia
Donde irás tú amor mío sin mi licencia

Tanto vestido blanco, tanta parola
Y el puchero a la lumbre
Con agua sola

Acitrón tira del cordón
Si vas a la Italia
Donde irás tú amor mío que yo no vaya.

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Esta canción posee un fuerte componente simbólico, ya que se trata de una sucesión de imágenes domésticas y cotidianas (vestido, puchero, lumbre, agua, calabazas) que hacen referencia a uno de los temas más importantes de la novela áurea española: el deseo de aparentar.

El honor (también llamado honra, reputación o prestigio) constituye uno de los valores fundamentales en la sociedad medieval y renacentista. Consiste en proyectar una buena imagen a los demás, para que la gente tuviera una opinión positiva de ti.

Un método para alcanzar el honor consiste en aparentar una buena situación económica. Se trata de demostrar a la gente que tienes dinero, reforzando tu imagen externa: presentarte ante los demás con una buena vestimenta, un aspecto físico cuidado, tener la fachada de tu casa llena de elementos valiosos…

Se da importancia a lo superficial, a la proyección hacia el exterior, al envoltorio, a la fachada, aunque luego en tu vida íntima (cuando nadie te ve) te mueras de hambre.

¿Recordáis al personaje del escudero del Lazarillo de Tormes? Este hombre quería proyectar la imagen de noble toledano acomodado y adinerado. De ahí que siempre estuviera eligiendo las ropas y vestimentas más caras, cuidando los detalles (el escudo nobiliario en la puerta de su vivienda, la capa, la espada, los tejidos de seda…).

El escudero cuidaba su forma de andar y sus gestos para hacer ver a los vecinos que su vida era un caudal de dinero y riquezas. En realidad, la existencia de este personaje no resultaba tan idílica ni feliz como la gente pensaba, pues el hombre no tenía nada que echarse a la boca. Su morada estaba semivacía. Ni siquiera había muebles.  

Él prefería gastarse lo poco que tenía en aparentar buena fortuna delante de la gente (la ropa, los ornamentos…) que en adquirir comida. Muchos nobles ponían por delante la imagen social, en detrimento de la alimentación. Si se descubre su verdadera situación económica, serían el hazmerreír del pueblo (lo cual atentaría contra el honor).

Esta canción es un homenaje al deseo de aparentar de las personas. Por fuera, disimulan que todo marcha como la seda, que la vida les va bien, que todo es abundancia y juerga. Por dentro, están sufriendo, ya que pasan mucha hambre: Tanto vestido blanco tanta parola, y el puchero a la lumbre con agua sola

El vestido simboliza la cáscara, el envoltorio, la carcasa, todo aquello que es perceptible a primera vista y causa impresiones positivas o negativas en la sociedad. El blanco es el color que está relacionado con la pureza, lo impecable, el hecho de tener una reputación 10 en la sociedad (sin manchas). La gente quiere alcanzar un estatus social prestigioso (honor). Los vecinos te juzgan por lo que aparentas en lugar de por lo que eres.

Parola es un término italiano que significa palabra. La expresión, el idioma y el signo lingüístico sirven para “engordar” esa apariencia. Hablar es gratis. La gente, dándole a la lengua, puede decir lo que quiera para dar una imagen positiva de sí mismo (me va bien, he comprado un piso, gano 3000 euros al mes, vivo de puta madre…).

Aunque no sea verdad, tú puedes decir lo que te dé la gana y aparentar que tu vida es el Paraíso. La gente se lo creerá o no, pero nuestra capacidad locutiva puede ser utilizada para darnos propaganda a nosotros mismos y difundir una situación de buena ventura, aunque la realidad sea otra

El indefinido (tanto) cohesiona de forma paralelística los elementos que forman parte de ese deseo de apariencia: tanto vestido blanco, tanta farola…La estructura está formada por la suma de un cuantificador (tanto/tanta) y un sintagma nominal (vestido blanco/ farola)

Esto contrasta con la realidad: el puchero a la lumbre con agua sola. En un lenguaje más coloquial y menos poético, diríamos: mucho traje, mucho lujo, mucha palabrería, pero se mueren de hambre 

El puchero con agua es una imagen que está relacionada con la precariedad, la carencia, la escasez. El vestido y la palabra son solo un envoltorio, una fachada falsa, detrás de la cual encontramos una situación negativa y dramática: a mucha gente le gusta pregonar que su vida es buena, que nada en la abundancia, para darse prestigio, pero la realidad es otra: esas personas, están viviendo una situación angustiosa (no tienen dinero ni para comer).

El ser humano tiende a esconder, maquillar y ocultar sus miserias, ya que eso crea una mala imagen de la persona de cara a la sociedad.

Por tanto, se produce una antítesis entre el vestido y la palabra (apariencia) y el puchero (realidad). Este último, por metonimia, representa la comida. Se alude al continente (olla) por el contenido (lo que hay dentro de esa cacerola: alimentos, que en este caso es solo agua).

El avío, en la escala de necesidades humanas, es un motivo primario. Si no ingerimos nutrientes, el cuerpo se muere. Por lo tanto, el puchero simboliza aquellas cosas que son imprescindible para la vida.

Mucha gente da importancia a lo superficial, a lo secundario (el lujo, la parafernalia, la tontería, el detalle) y deja de lado las cosas trascendentales (comer). Hay individuos que no saben diferenciar lo vital de lo accesorio. No jerarquizan, no priorizan. En lugar de preocuparse por satisfacer sus necesidades básicas (dignidad), están pendientes del qué dirán, de que la gente se crea que viven a todo tren.

En la segunda estrofa el yo poético se recrea en la miseria de una forma excesivamente dramática. Enfatiza la parte cruda de la realidad. A una imagen que de manera inherente ya transmite negatividad y precariedad (el puchero con agua) se le añade un detalle muy cruel, que roza el patetismo y lo macabro: El puchero está roto, tiene una raja.

Un recurso efectista en la canción infantil es sumar penas y miserias de forma continua a una determinada situación, con el objetivo de crear un contexto rocambolesco, cercano a la caricatura, que llame la atención de los niños. Cuanto más miserable sea la escena, más expectación crea en el receptor.

Por eso, se utilizan términos o expresiones sinonímicas que funcionan como paráfrasis: está roto=tiene una raja

La olla ya no está en el fuego con agua sola. Se han añadido calabazas: el puchero está roto, tiene una raja, y por ahí se salen las calabazas.

En épocas de miseria y crisis económica (por ejemplo, la Posguerra), mucha gente solo se alimentaba de alimentos vegetales (patata, calabaza, algarrobas…) y apenas se comía carne, pescado o huevos. Todo se racionaba.

La calabaza tiene un significado descriptivo o denotativo (vegetal grande naranja), pero también, otro no descriptivo o connotativo, ya que puede sugerir (de forma subjetiva) ideas como hambre, miseria o escasez, pues es un alimento que se comía en tiempos de decadencia.

Todas las palabras tienen un significado objetivo (el que aparece en el diccionario) y otro subjetivo (lo que nos sugiere el vocablo). El significado subjetivo de calabaza dota de fuerza a la composición.

En la tercera estrofa la voz lírica sigue recreándose en la precariedad, profundizando como si fuera el zoom de una cámara: Tengo las calabazas puestas al humo, al primero que llegue se las esplumo.

Esplumar es un término sefardí que significa desplumar, quitar las plumas al ave. Un vocablo aplicado a un animal se proyecta sobre un elemento no animal (calabaza). Esto crea un efecto esperpéntico (animalización) con el fin de deformar y enfatizar la crudeza del mundo, pero de una forma simpática, con una leve comicidad (recordad que se trata de una canción infantil).

Estas descontextualizaciones semánticas son habituales en la poesía cancioneril, sobre todo en el género satírico, con la finalidad de hacer juegos con el lenguaje, que generan efectos críticos y burlescos.

En la última estrofa se recoge una antítesis entre la abundancia/apariencia y la realidad/ miseria: Tanto reloj de oro, tanta cadena. Luego van a su casa y no tienen cena.

El reloj de oro y la cadena son elementos valiosos, caros, preciosistas y ornamentales, que transmiten positivad y sensualidad, pero no son útiles para la supervivencia del ser humano. De hecho, suelen aparecer en tendencias poéticas frívolas e intrascendentes como el Rococó o el modernismo exotérico que recurren a imágenes relacionadas con el adorno femenino o el metal precioso.

Por el contrario, la imagen de la falta de cena simboliza la precariedad y la escasez. La gente da más importancia a la apariencia, a la fachada externa, que a las cosas básicas (comer)

Mientras las estrofas hacen referencia al tema del deseo de aparentar lo que no se tiene, en el estribillo, el contenido da un giro radical y la canción se convierte en un derroche de sensualidad y erotismo Los estribillos están influidos por la lírica popular mozárabe y hebrea (jarchas).

Las jarchas son composiciones puestas en boca de mujer, que se lamenta por la ausencia o inminente ausencia del marido. Uno de los personajes arquetípicos es la dama atrevida que pide a su amante que no se vaya a ningún sitio sin ella, y que se la lleve allá donde esté. El hecho de que una fémina hable de forma tan osada, dando órdenes a su amado, resulta procaz, improcedente y escandaloso en ciertas sociedades conservadoras.

El deber de la hembra es quedarse en casa esperando a que su macho regrese. La gente veía con malos ojos a las esposas que pasaban mucho tiempo fuera del hogar. Cada uno tiene su rol en la pareja: él, conseguir el sustento para la familia; ella, cuidar la vivienda.

En las jarchas, hay mujeres que ruegan a sus maridos irse con ellos: no quieren quedarse solas. Esto es lo que sucede en la canción: Si vas a Valencia/a la Italia…¿Dónde irás tú, amor mío, que yo no vaya?

El vocativo con el adjetivo posesivo (amor mío) y el contraste entre los pronombres de primera y segunda persona (yo-tú) remarca la unión de los amados, dotando al poema de cierto espíritu místico.

El lenguaje y las palabras del estribillo poseen conexiones con la lírica andalusí del XI: Acitrón tira del cordón si vas a Valencia/La Italia. Muchas jarchas mozárabes y hebreas están cargadas de erotismo y simbología erótica, que influyen en esta canción:

-Por un lado, el cordón. En la Edad Media la gente vestía con unos calzones anchos y largos llamados zaragüelles. El cordón sirve para atar el calzón a la pierna. La mujer le pide al amado que le desabroche el cordón para quitarse el zaragüelles y quedar desnuda delante de él. Como veis, detrás de ese lenguaje doméstico se configura una imagen que roza lo erótico. La dama, en una actitud impaciente, le ruega al esposo que le dé un tirón violento que la despoje de las trabas del ropaje. Muchas veces, los niños recitan poemas sin saber lo que cantan jejjejeje

-Por otro lado, acitrón, es una palabra andalusí, en aumentativo, que sirve para designar al amante discreto, modoso, tímido, al que le cuesta tomar la iniciativa en la relación sexual. En este tema la que pide mantener devaneos eróticos con la pareja es ella. Esto lo expresa con el imperativo (tira del cordón).

Lo normal en la época es que sea el hombre el que domine y mande, y la mujer la que lo siga. En esta canción es al revés. La dama lleva la voz cantante en la relación

Este tipo de composiciones tan subidas de tono fueron censuradas por las autoridades de la época, sobre todo en el periodo morisco. Autores como Ibn Quzmán fueron detenidos y encarcelados por crear coplas tan explícitas en la expresión de insinuaciones eróticas

Métricamente, las estrofas están formadas por seguidillas. El primer y el tercer verso son heptasílabos. El segundo y el cuarto, pentasílabos (7- 5a 7- 5a). Los pares riman en asonante (raja-calabaza) y consonante (cadena-cena, parola-sola). Los impartes van por libre (blanco-lumbre).

Cada seguidilla está rematada por una estrofa de tres versos (estribillo), en los que no hay rima ni regularidad métrica: Acitrón tira del cordón/si vas a la Italia/ ¿Dónde irás tú, amor mío, que yo no vaya?. Cuando a una seguidilla se le adhiere una estrofa de tres versos hablamos de seguidilla compuesta.

Esta coplilla se concibe como una fusión de la novela áurea española y la poesía satírica y crítica de los cancioneros del siglo XV (por el tema del deseo de aparentar lo que no se tiene y engrandecer el honor) con la sensualidad de la lírica erótica que imita el estilo de la jarcha andalusí. Una mezcla extraña y curiosa, que se ha integrado al cancionero popular infantil.

Por supuesto, un tema tradicional como este ha tenido muchísimas versiones y variantes en la letra. Cuando algo se transmite durante tantos siglos, es normal que por el camino se añadan, quiten o modifiquen elementos

En el último minuto: nunca es tarde para encontrar el amor

Podríamos decir que Juanita Reina constituye la antítesis de Marifé de Triana. Mientras que en el repertorio de esta última predomina lo trágico y lo dramático (Caramelitos de menta es una excepción cómica dentro de esa tendencia histriónica), con Juana sucede lo contrario: los temas salerosos y burlescos se imponen a los poemas más serios

A lo largo de la historia del blog hemos analizado muchas canciones ligeras de la artista macarena pero también, en su larga trayectoria como folclórica, cultivaría coplas más trascendentales como la de hoy. Data del año 1971. Fue compuesta por Rafael de León y el maestro Solano. Se titula En el último minuto

Los expertos han definido esta composición como la versión seria de Soltera yo no me quedo (que revisamos hace unos meses).

Enlace de la canción: https://www.youtube.com/watch?v=BZkiENubEWI

Yo andaba navegando por los treinta

Sin el amor que tanto deseaba
Y entre mis labios, triste y macilenta
Una rosa sin tallo se quemaba,

Con desesperación,
Buscaba, buscaba un dueño
Y soñaba la cárcel de unos brazos,
De unos brazos,

Pero me despertaba
De mi sueño, de mi sueño
Y con el alma sin paz
Hecha pedazos, hecha pedazos,

Y de pronto y de pronto en el último minuto
A punto, a punto de vestir de negro luto,
Te vi llegar feliz un mediodía
Y el otoño sin rosa de mi espera,
Se convirtió en florida primavera,
Cuando se unió tu boca con la mía.

Tu boca con la mía, tu boca con la mía
Tu boca con la mía, con la mía.

Y tu beso, y tu beso en el último minuto,
En rosa, en rosa convirtió mi negro luto,
Y mi canción de pena en alegría
Y por eso mil veces yo bendigo,
El día que, que me encontré contigo
Cuando se unió tu boca con la mía

Tu boca con la mía, tu boca con la mía
Tu boca con la mía, con la mía.

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En la España de los años 40 y 50 estaba mal visto que una mujer se quedara soltera. Lo correcto y lo convencional era que una chica joven buscara un novio cuanto antes para casarse con él y formar una familia. Cuando una moza traspasaba cierta edad sin haber encontrado a su media naranja, se decía que se había quedado para vestir santos, y eso, era objeto de burla, ironía y sarcasmo por parte de la sociedad.

El hecho de que algo se salga de las costumbres establecidas suele ser motivo de crítica. De ahí que muchas muchachas, por el miedo a quedarse solteras y ser el hazmerreír del vecindario, se casaran sin realmente estar enamoradas.

La protagonista de la canción ha alcanzado una edad complicada en esto de encontrar pareja. Tened en cuenta que en la década de los 40 la gente se casaba muy joven (antes de cumplir los 20). Por lo tanto, una persona de 30 años como la chica, era considerada vieja para descubrir el amor y casarse.  Hoy pocos se casan a los veinte jejjeje.

Sin embargo, aunque haya sido a una edad tardía (en el contexto de la época), la mujer encontrará a un hombre con el que casarse. Cuando pensaba que se iba a quedar soltera para siempre, y su vida se convertiría en una sucesión de días insípidos, descafeinados, tristes y solitarios, de pronto, sin esperarlo, se topa con la persona con la que compartirá el resto de su existencia.

Como dice el refrán, nunca es tarde si la dicha es buena. Aunque haya sido tarde (en el último minuto) es posible encontrar un novio y evitar la temida soltería, y por ende, no ser el hazmerreir de la gente.

La canción se divide en dos partes (estructura bimembre).

-La primera parte abarca las tres primeras estrofas, que describen la situación anímica de la chica antes de encontrar pareja. Ella se siente insatisfecha e infeliz, pues no quiere quedarse soltera.  

-La segunda parte abarca los dos estribillos que describen la situación anímica de la protagonista tras haber encontrado, aunque haya sido a una edad tardía, un novio con el que casarse. Por tanto, la mujer se siente plena y radiante (no tanto por estar enamorada, sino porque ha evitado la soledad sentimental)

La primera estrofa sirve de planteamiento de la historia e incluye la descripción y presentación de la moza. La edad de la muchacha se expresa mediante la metáfora de la vida como camino o lugar de tránsito, rescatada de la poesía elegíaca manriqueña: Yo andaba navegando por los treinta.

El complemento circunstancial de modo, junto la oración de relativo, resaltan la soltería y soledad de la mujer (sin el amor que tanto deseaba).

El cariño se convierte en algo imprescindible y necesario para la vida de la protagonista. Por un lado, es un sentimiento que aporta vitalidad, felicidad, satisfacción, plenitud (espiritualismo); Por otro lado, es un estado de normalidad que permite a la gente pasar desapercibida entre la multitud (materialismo). La etiqueta de “comprometido con” te convierte en un miembro más del rebaño

Lo normal en esta época era casarse. Ver a una chica joven con su novio era algo usual, ordinario, corriente y no resultaba extraño ni llamativo. Sin embargo, una persona sola, sin pareja, no pasaba desapercibida ante los ojos de la sociedad, ya que la gente tiende a resaltar y criticar lo que se sale de lo convencional.

El yo poético, por tanto, no desea el amor por la felicidad y satisfacción que le produce querer a otra persona, sino por alcanzar ese estatus social de normalidad (no llamar la atención ni sobresalir en la comunidad por su estado sentimental). Quedarse soltero es un rasgo negativo y perjudicial desde el punto de vista de la imagen y el honor.

Como consecuencia de ese miedo a la anormalidad, la protagonista se siente triste al no tener pareja. Esa aflicción se manifiesta con tres recursos en una misma frase:

-La metáfora de la flor marchita y descolorida, que hace referencia al paso de los años, el fin de la belleza y la incapacidad de cumplir los objetivos vitales: Una rosa sin tallo se quedaba. A medida que nos hacemos mayores, el cuerpo humano pierde hermosura, y resulta más difícil encontrar pareja, y por ende, consumar nuestra función social (traer hijos al mundo). A la chica se le pasa el arroz. A los 20 tiene más armas para atraer a los hombres que a los 30.

-La personificación de la flor decrépita, con el fin de resaltar el pesimismo y las pocas ganas de vivir de la protagonista, debido a su soltería: triste y macilenta [una rosa]

-El hipérbaton, el cual se manifiesta de forma violenta como en los poemas conceptistas y culturalistas del barroco: Y entre mis labios, triste y macilenta, una rosa sin tallo se quedaba. Cuanto más violento es el hipérbaton, mayores son las inquietudes anímicas del yo. La protagonista está sufriendo mucho con este tema y se nota afectada.

El complemento circunstancial de modo (con desesperación) refleja el ansia de la chica por encontrar pareja. El amor se concibe como un estado artificial, postizo, provocado, buscado, preparado y no como un sentimiento espontáneo, intuitivo o natural. Al final, el materialismo (no quedarse soltero) vence al espiritualismo (pasión, deseo, placer)

Tened en cuenta que muchas mujeres no se casaban por amor, sino para no quedarse solteras. En estos casos, querer o no a la otra persona era algo secundario. Lo importante era vincularse con alguien. Las reduplicaciones (buscaba, buscaba un dueño) marcan el ansia y la urgencia de la protagonista por no quedarse sola. Tener pareja se convierte en una prioridad, en una necesidad de primer orden. El objetivo no es satisfacer el instinto amoroso, sino no ser señalado socialmente (solterona).

La protagonista desea con todas sus fuerzas un novio. El hecho de vincularse con un hombre es representado con la metáfora de la cárcel de amor, muy recurrente en la vieja poesía de cancionero: Y soñaba la cárcel de unos brazos.

El sentimiento amoroso se representa con una trena: aprisiona a la persona. Una vez te enamoras, es imposible desprenderse del afecto por alguien. No puedes escapar de ese vínculo. El apego no desaparece nunca. Queda dentro de ti como si estuviera prisionero en una celda. Surge una necesidad de unión con el amado. Cuando quieres a otro ser humano, te cuesta separarte de él/ella. Te imbricas de tal forma que es imposible quedar libre de esa pasión. Cuando el amor entra en tu vida, no se va. De ahí lo de la cárcel.

En este poema, la prisión no hay que interpretarla en sentido espiritual, sino físico. La voz poética, lo que quiere, es estar con un hombre para no quedarse soltera. Es la cárcel del matrimonio (que no del amor). Lo importante no es querer a su novio, sino unirse a él para adquirir la etiqueta civil de casada

La aspiración de la muchacha es el matrimonio. Este anhelo se expresa metafóricamente mediante la contraposición entre sueño/vigilia y realidad/deseo, tema muy cernudiano

En el plano de la mente, la fantasía y la imaginación su ideal es casarse, dejar la soltería, cuanto antes mejor. En el plano de la vida real, no conseguía pescar marido. Pasaban los años y era incapaz de conocer a un hombre: pero me despertaba de mi sueño, y con el alma sin paz, hecha pedazos. Esto le provoca frustración. Tener un proyecto de vida y no verlo materializado es doloroso.

La cosificación de un concepto abstracto (el alma, el espíritu resquebrajándose como si fuera un objeto) refleja la pena e insatisfacción vital de la protagonista. Esta alcanzará su estado de plenitud y paz interior cuando tenga novio y se case con él. Mientras tanto, se verá sumida en un estado de angustia y perturbación, propio del que no cumple sus sueños.

En el estribillo se produce un giro en los acontecimientos, y la protagonista pasará de un estado de soledad (soltera) a uno de compañía (casada). Encontrará a su media naranja: Y de pronto, en el último minuto […] se unión tu boca con la mía.

Como veis, la trama da un giro inesperado, de una forma brusca y repentina, mediante el marcador temporal “de pronto”. Este supone una ruptura violenta respecto a un estado anterior.

El yo poético estaba triste, solo, desesperado, hundido en la miseria más absoluta. De repente, sin esperarlo, consigue lo que quiere (estar con alguien)

La historia se resuelve de una forma fría y poco romántica. Al fin y al cabo, la señora no busca enamorarse, sino evitar la soltería. Aunque la satisfacción es grande (ya que era su deseo), hay que interpretarlo desde la perspectiva de la sociedad de los años 40: ella no celebra el enamoramiento, sino la posesión de la pareja. Aquí no interesa el proceso amoroso, sino el resultado (estar casado).

El paso de un estado a otro se representa con una metamorfosis metafórica. Antes de conocer al hombre, la realidad se veía de una forma pesimista y gris. Esta infelicidad se representa con el color oscuro del duelo (a punto de vestir de negro luto) y la estación otoñal (el otoño, sin rosa de mi espera).

Cuando fallece un ser querido la gente se viste de negro para expresar la tristeza por su pérdida. El otoño es el momento del año en que la vegetación se degrada, pierde parte de su encanto, se caen las hojas de los árboles, el campo se despoja del color del verano

Al conocer al chico, se produce la transformación. La realidad es vista de una forma optimista y colorida. Esto se representa con una metáfora extraída del ciclo natural (el negro luto se convirtió en florida primavera) y solar (te vi llegar feliz un mediodía).

La primavera es la estación más bonita del año (cuando hay flores). El mediodía es el momento de la jornada en el que hay mayor luz, ya que el Sol está en lo alto del cielo.

Como veis, este poema recurre a metáforas relacionados con el mundo climatológico y atmosférico, poniéndolo en relación con el estado anímico del yo poético

El primer estribillo se remata con una imagen sensual y preciosista, ligada a la unión mística, pero desde un enfoque físico: Cuando se unió tu boca con la mía.

La voz lírica se recrea en una estampa mítica que capta el momento de fusión entre el hombre y la mujer, el instante en que se produce la plenitud y satisfacción de la dama, pues esta ya ha cumplido su deseo, que es tener a su dueño. Ahora puede morir en paz. Su problema ha sido resuelto.

La imagen de los labios besándose es un retrato/fotografía/grabado que representa ese estado de pasión y éxtasis del yo poético tras haber materializado su proyecto vital. Está desprovisto de connotaciones eróticas. Es un momento mágico para la protagonista, ya que deja de ser una solterona, para convertirse en una mujer casada. El sentimiento de placer es igual de grande e indescriptible que el de una persona enamorada.

En el segundo estribillo se proyectan metáforas que reflejan el paso de la infelicidad a la felicidad, mediante elementos feos y negativos que se transforman en cosas bonitas y positivas, en estructuras en paralelismo con elipsis: En rosa se convirtió mi negro luto, Mi canción de pena [se convirtió] en alegría

La mujer agradece al destino (llámese Dios, llámese azar…) el hecho de haber conocido a este señor en el momento y lugar adecuados, justo cuando daba por perdida la batalla y pensaba que la soltería le iba a acompañar para el resto de sus días. Si estuviéramos en un partido de fútbol, diríamos que ha marcado gol en el minuto 93, de chiripa y por puro milagro: Por eso mil veces yo bendigo el día que me encontré contigo.

El numeral mil crea una hipérbole, la cual es un reflejo de las ansias de la protagonista por no quedarse soltera. A día de hoy (año 2021), esta actitud parece ridícula, pero en la España del Franquismo, había mujeres que sufrían por la soltería, y preferían vivir con alguien sin amor, a quedarse solas, ya que eso suponía ser marcadas socialmente

¿Os acordáis de la copla Compuesta y sin novio que analizamos el año pasado junto a la de Soltera yo no me quedo? (las dos de Juanita Reina)

La protagonista representaba a esa minoría de jóvenes que desafiaban lo convencional y veían en la soltería algo positivo y maravilloso en sus vidas (libertad, nada de cargos, ni cuidados de niños, ni rencillas familiares, ni riñas con el marido, ni cuernos…)

En cambio, la mayoría de las mujeres españolas compartían las filosofías de Soltera yo no me quedo y En el último minuto: mejor mal casadas que solteras.

En Soltera yo no me quedo, el asunto se enfoca de una manera cómica y burlesca. En el último minuto, de una forma seria y dramática. En ambos casos, se esboza un retrato de la sociedad española de Posguerra.

Métricamente, la primera estrofa está formada por un serventesio de endecasílabos (11A 11B 11A 11B)

La segunda y la tercera son irregulares: cada verso tiene un número de sílabas diferente, combinando el arte mayor (y soñaba con la cárcel de unos brazos) y el arte menor (con desesperación). Esto dota a la composición de un ritmo entrecortado.

La rima desaparece, salvo en las repeticiones de palabras al final de los versos (hecha pedazos)

Los estribillos constan de la unión de un pareado de quince sílabas (luto, minuto) con un cuarteto endecasílabo (11A 11B 11B 11A) y dos versos sueltos que crean un eco con el final del cuarteto (tu boca con la mía).

Caramelitos de menta: besos que saben a Gloria Bendita

La artista sevillana Marifé de Triana siempre sintió predilección por las coplas trágicas y dramáticas. Su capacidad para meterse en la piel de los personajes y llevar el conflicto hasta su máxima intensidad escénica y teatral le hicieron ganarse el sobrenombre de la actriz de la copla.

No obstante, a lo largo de su trayectoria discográfica, Marifé no solo interpretó temas serios y lacrimógenos, sino también canciones ligeras, desenfadadas y sensuales como las que os traigo hoy. Fue compuesta por Ochaita y Solano en el año 1967. Se titula Caramelitos de menta

Aunque la gente tiende a asociar a la intérprete sevillana con esa copla desgarradora y visceral, propia de una época de decadencia, plagada de excesos y barroquismos (con peinetas tiradas por el suelo, tirones de pelo, gestos desmesurados, agudos llevados al límite…), no hay que olvidarse de la otra Marifé, la que es capaz de rebajarse a registros menos solemnes y transmitir dulzura, belleza, insinuación, espontaneidad y alegría de vivir

La canción española no es solo una sucesión de dramones. El público también agradece piezas ligeras y desenfadas en medio de un espectáculo. El abuso del dolor, el llanto, la pena y el despecho saturan al espectador, por mucho que la cantante de Burguillos sea una experta en esos estilos. Una composición como la de hoy aporta variedad y riqueza a la función, descongestionándola de miserias emocionales.

Enlace de la canción: https://www.youtube.com/watch?v=togEru4Yu1U

Descalcita entré en tu alcoba, vi,

vi que estabas soñando, vi,

vi que estabas soñando.

Un beso te di en la cara, que,

de mi estabas hablando, que,

de mi estabas hablando.

 

Ay, bésame, besa,

bésame en la cara,

caramelitos de menta

por la noche y la mañana.

Ay, bésame, besa,

bésame en los labios,

caramelitos de menta

por la mañana temprano.

 

Por donde quiera que vaya

parece que te voy viendo,

son las sombras del querer,

que me vienen persiguiendo.

 

Ay, bésame, besa,

bésame en el pelo,

caramelitos de menta

de noche mirando al cielo.

Ay, bésame, besa,

bésame en los ojos,

caramelitos de menta

por la tarde en los rastrojos.

 

El arroyo busca el río,

el río, busca la mar,

el río, busca la mar.

Y yo de noche y de día

te busco sin descansar,

te busco sin decansar.

 

Ay, bésame, besa,

bésame en la cara,

caramelitos de menta

por la noche y la mañana.

Ay, bésame, besa,

bésame en los labios,

caramelitos de menta

por la mañana temprano.

 

La camita en que yo duerma,

a veces es de carmesí,

con las sábanas volando,

para darme gusto a mí.

 

Ay, bésame, besa,

bésame en el pelo,

caramelitos de menta

de noche mirando al cielo.

Ay, bésame, besa,

bésame en los ojos,

caramelitos de menta

por la tarde en los rastrojos.

 

No me seas celoso,

que si lo sé,

a la sombra de un hilo,

te la pegaré.

 

Ay, bésame, besa,

bésame en la cara,

caramelitos de menta

por la noche y la mañana.

Ay, bésame, besa,

bésame en los labios,

caramelitos de menta

por la mañana temprano.

................................................................

El título del poema (Caramelitos de menta) está construido desde la óptica metafórica. La metáfora es un procedimiento lingüístico y literario que consiste en identificar un elemento de la realidad con otro, con el que guarda algún parecido o semejanza. En este caso, los caramelitos de menta son los besos.

Como veis, se trata de una metáfora sensual, ligada a una concepción corpórea y física del amor, basada en impresiones y sugestiones personales: dar un beso a la persona que quieres es como saborear un caramelo de menta: se alcanza una sensación de frescor agradable, un estado general placentero, casi místico, que resulta absorbente, atractivo, atrayente, cautivante, satisfactorio y complaciente para la persona que lo toma. Por eso, el yo poético no para de pedir caramelitos de menta (besos) a su amante.

Evidentemente, esta identificación de besos-caramelos es algo subjetivo y personal. La voz lírica ha asociado el ósculo a algo que le resulta agradable a SU paladar, desde SU punto de vista: los caramelos de menta. 

Habrá receptores que sí se identifiquen con esta metáfora (a los que les encante los dulces de menta) y habrá otros que no (sobre todo, si odias el sabor de esta hierba).

El yo poético considera que la menta posee un sabor extásico y placentero. Por tanto, el texto tiene sentido. Si la voz lírica (que es la autoridad del poema) lo concibe así, la literariedad de esta copla no se puede poner en entredicho.

El poema, desde el principio hasta el final, hace hincapié en una situación idílica, feliz, de reciprocidad absoluta entre la protagonista y su amante. Este mundo de la piruleta (en el que todo sale perfecto, es alegría, dicha, prosperidad para la mujer) cohesiona la composición.

Esto recuerda a las canciones del Esposo y de la Esposa del Cantar de los Cantares de la Biblia: todo es armonía, todo es júbilo, todo es color, todo es ventura.

Muchos pensaréis: Menudo empalago!!!!!!!!!! De hecho, encontramos expresiones en diminutivo que dotan al texto de un carácter afectivo (descalcita, camita, caramelito…).

Además, esta canción se caracteriza por representar ambientes refinados y exquisitos, del gusto modernista: suntuosas habitaciones con elementos ornamentales y decorativos de alto valor (Entré en tu alcoba […], la camita en que yo duerma a veces es de carmesí y las sábanas volando), paisajes campestres típicos de la literatura pastoril (por la tarde en los rastrojos…), referencias al amanecer (por la mañana temprano…), a la noche estrellada (de noche mirando al cielo…).

El yo poético recurre a imágenes y comparaciones del mundo natural que tienen como objetivo explicar y representar de forma estética el hecho místico, es decir, la fusión amorosa entre el hombre y la mujer. La protagonista busca al amante para unirse a él, igual que un arroyo busca un río para desembocar en él, o un río buscar al mar.

Esta alegoría, extraída de un fenómeno geográfico y geológico, sirve para ejemplificar la vinculación natural entre dos personas que se quieren y se necesitan mutuamente para dar sentido a sus vidas

Así, el amor se ve como un hecho universal y necesario para que la existencia funcione. Igual que todos los ríos, de una manera natural, necesitan desembocar en el mar, todas las personas necesitamos unirnos a otras personas: El arroyo busca al río, el río busca a la mar y yo de noche y de día busco sin descansar

Por cierto, los términos, arroyo, río y mar forman una gradación semántica, ya que cada elemento tiene una extensión mayor que el anterior, lo cual se manifiesta en el encadenamiento de los versos: El arroyo busca al río/el río busca a la mar

El amor no solo se concibe como un hecho espiritual. También se hace hincapié en sus aspectos físicos, ya que la belleza, la sensualidad, el contacto carnal (besos, abrazos, caricias, buenas palabras…) forman parte de la pasión.

Por eso, algunas partes del tema acarician levemente lo erótico, haciendo mención a la falta de ciertos atuendos en el vestir: Descalcita en tu alcoba vi. El diminutivo (ita) da afectividad a la expresión.

El hecho de que la protagonista no lleve zapatos genera una imagen sugerente. En los poemas modernistas se hace mención a las formas del cuerpo desnudo de la mujer. En este caso, solo de una parte concreta (los pies). Recordad que estamos en el Franquismo. Por tanto, no se puede ser tan explícito. Lo erótico hay que enmascararlo implícitamente y solamente sugerirlo con imágenes.

La falta de ropaje (aunque solo sea en los pies), además de dar sensualidad, simboliza la autenticidad: en el amor uno debe mostrarse en su esencia, tal y como es, sin efectismos ni maquillajes que transformen nuestra forma de ser. El enamoramiento auténtico se produce por esencias (por cómo eres) y no por pertenencias o estados temporales (por lo que tienes, por la ropa que llevas…).

El yo poético se recrea en una situación idílica de correspondencia entre los amados, y la goza gracias a las reduplicaciones versales (vi que estabas soñando/vi que estabas soñando), epíforas (…entré en tu alcoba vi/ …estabas soñando vi) y epanadiplosis (vi que estabas soñando, vi).

El hecho de adelantar un elemento sintáctico de la oración siguiente en un verso anterior en anadiplosis (descalcita en tu alcoba, vi/ vi que estabas soñando), además de marcar el ritmo, dota de continuidad a la escena, adelantando una parte de la información antes de tiempo.

Por un lado, el yo poético quiere retardar el tiempo. Lo que está contando, configura una situación tan placentera que quiere alargarla lo máximo posible mediante repeticiones. Pero por otro lado, también quiere acortar el tiempo. Lo que narra es tan maravilloso que la voz lírica está ansiosa por añadir nueva información gozosa. Cuando nos ocurre algo bueno estamos impaciente por contarlo. Es una mezcla peculiar de sensaciones

Hasta llegar al momento placentero y climático de la estrofa (el beso), hay que pasar por un proceso, una serie de etapas o pasos, que generan tensión y expectación en el oyente. Lo bueno se hace esperar jejjeje. Primero están los preliminares. El ritmo entrecortante ayuda a fragmentar la escena en secuencias (fases), hasta llegar al ósculo:

-Instantánea 1: La mujer entra descalza al cuarto

-Instantánea 2: La mujer ve al amado dormir en la cama

-Instantánea 3: La mujer besa al amado

La relación de reciprocidad y correspondencia no solo se materializa con alegorías de la Naturaleza, sino también con escenas de carácter doméstico y cotidiano. En el verso 3 se dice que el amado se encuentra tumbado en la cama pensando en la protagonista: Vi que estaba soñando. […]. Un beso te di en la cara. […] De mí estabas hablando.

El hecho de soñar con una persona significa que esta es importante para ti. Ha calado tanto en tu vida, que tu subconsciente se acuerda de ella mientras duermes. El amor se manifiesta en todos los estados posibles del cuerpo (durmiendo, despierto…)

El estribillo es una declaración de intenciones, ya que la protagonista pide a su amante que le dé besos, mediante el imperativo (Bésame en la cara). El sintagma caramelitos de menta funciona como una paráfrasis o explicación de dicha orden, para que el receptor sepa que los caramelos son los besos: Bésame en la boca, caramelitos de menta por la mañana temprano

Aunque el amor es un sentimiento abstracto y mental, este se manifiesta físicamente a través de determinados actos concretos y materiales del cuerpo, como es el beso

Las interjecciones cohesionan las estructuras en paralelismo, que tienen como objetivo reforzar el gozo, el placer, el disfrute y el deleite provocados por la pasión que genera la presencia de esa persona a la que tanto queremos: Ay bésame besa, bésame en la cara/ Ay bésame, besa, bésame en los labios/Ay, bésame besa, bésame en el pelo/Ay bésame besa, bésame en el pelo. 

Las recurrencias (bésame, besa, bésame…) enfatizan la necesidad y la dependencia del sentimiento amoroso en el ser humano. Si se insiste tanto en una cosa es porque resulta importante para nosotros. Sin pasión y sin gente a la que querer, nuestra vida sería una basura.

La antítesis eterniza y prolonga en el tiempo el estado de enamoramiento: caramelitos de menta por la noche y la mañana/y yo de noche y de día te busco sin descansar. Estas antítesis provocan una escena hiperbólica, con el fin de intensificar la grandeza del amor que es eterno.

La alusión a partes femeninas del cuerpo (ojos, cara, pelo, boca) dota de erotismo a la composición, además de exaltar la belleza física de la mujer, como ocurre en los poemas sensuales del Rococó

La copla está plagada de tópicos que han referencia a la literatura amatoria feliz, como por ejemplo, el hecho de que todo lo que hay en la realidad te recuerda de una forma u otra a la persona que quieres. Cualquier elemento que veamos en el mundo, nos incita a establecer una vinculación con nuestro amado.  

Esto se expresa de forma estándar y coloquial (Por donde quiera que vaya parece que te voy viendo) y metafórico-personificada (Son las sombras del querer que me vienen persiguiendo).

La entidad y su sombra son dos elementos que van de la mano. No pueden separarse. Todo cuerpo proyecta una sombra en la superficie gracias a la luz. Son dos realidades fusionadas, lo mismo que dos personas que se aman: X forma parte de la vida de Y e Y forma parte de la vida de X

El amor hacia alguien no solo se produce cuando estás con él/ella (en el plano físico), sino también, cuando no está presente en el entorno, mediante el recuerdo. El cariño es un sentimiento que se puede dar en cualquier momento y lugar, independientemente de la presencia del otro. Es el tópico de tener a una persona dentro de tu corazón. Por eso, surge esa necesidad de establecer vinculaciones, ya que todo lo existe te recuerda a esa persona.

Este poema se concibe como una práctica amorosa. Vemos a una mujer enamorada, expresando sus sentimientos, manifestando la pasión desde el cuerpo (besos) y el alma (pensamiento).

El único momento de teoría amorosa lo encontramos al final de la copla donde se hace alusión a uno de los enemigos más peligrosos de la relación amorosa: los celos.

La protagonista está en contra de estos sentimientos nocivos y tóxicos: si uno de los dos miembros es celoso, llegan los problemas. De ahí que la amada ordene a su amado (en modo subjuntivo) que deje de lado las dudas: No me seas celoso

Hay un guiño al refranero popular español, que da el toque cómico al tema: No me seas celoso, que si lo sé, a la sombra de un hilo te la pegaré. El aforismo original dice: “a la sombra de un hilo se la pega una mujer a su marido”.

Esta máxima hace referencia al adulterio de una mujer a un hombre. El esposo se pone celoso al ver que el mundo está lleno de hombres que pueden acechar a su amada. Entonces, surgen miedos, inquietudes e incertidumbres. No se fía de la mujer. Teme que ella se enamore de otro y se la quiten. La esposa, viendo las inseguridades del amado, se desencanta, deja de ser feliz, le entran ganas de conocer a otros, ya que no le gusta ese carácter celoso del marido. Y por tanto, acecha el peligro del adulterio y la infidelidad.

Por eso, la protagonista le pide al amado que su relación se base en la confianza. Nada de celos y temores. Solo así alcanzarán la plenitud y les irá bien

Métricamente, la primera estrofa es irregular, fruto de repeticiones y adelantamientos sintácticos

Los estribillos son de arte menor, pues combinan el hexasílabo con el octosílabo, dando lugar a dos cuartetas (8a 8b 8a 8a).

La segunda estrofa consta de una copla: 4 versos octosilábicos con rima entre segundo y cuarto, mientras que el primero y el tercero quedan libres (8- 8a 8- 8a)

La tercera estrofa está formada por 6 versos, pero realmente son cuatro ya que dos son repetidos. Si obviamos las duplicaciones, el resultado es otra copla: 8- 8a 8- 8a

La cuarta estrofa es idéntica a la segunda. Aunque hay un verso de nueve sílabas (a veces es de de carmesí) a la hora de pronunciarlo, fusionamos la terminación –es de “veces” con el “es” del verbo ser, dando lugar a un alargamiento de –es, y por tanto, la reducción de una sílaba: a vecEEES de carmesí. Recordad que cuando un verso termina en agudo hay que sumar una sílaba.

En la quinta y última estrofa se pierde el verso octosílabo. El esquema es 7- 5a 7- 6a. Si el último verso fuera pentasílabo en lugar de hexasílabo, estaríamos ante una seguidilla perfecta.

Hasta la raíz (Natalia Lafourcade): ese amor profundo y perdurable que alumbra nuestra vida

El tema que vamos a analizar hoy es una mezcla de pop con música folclórica mexicana. Fue compuesto en el año 2015 por Leonel García y Natalia Lafourcade. Esta última puso la voz. Pertenece al sexto álbum de la artista chilanga. La canción se titula Hasta la raíz, y fue todo un éxito en Latinoamérica

Enlace de la canción: https://www.youtube.com/watch?v=IKmPci5VXz0

Sigo cruzando ríos

Andando selvas
Amando el sol
Cada día sigo sacando espinas
De lo profundo del corazón
En la noche sigo encendiendo sueños
Para limpiar con el humo sagrado cada recuerdo

Cuando escriba tu nombre
En la arena blanca con fondo azul
Cuando mire el cielo en la forma cruel de una nube gris
Aparezcas tú
Una tarde suba una alta loma
Mire el pasado
Sabrás que no te he olvidado

Yo te llevo dentro, hasta la raíz
Y por más que crezca, vas a estar aquí
Aunque yo me oculte tras la montaña
Y encuentre un campo lleno de caña
No habrá manera, mi rayo de luna
Que tú te vayas

Pienso que cada instante sobrevivido al caminar
Y cada segundo de incertidumbre
Cada momento de no saber
Son la clave exacta de este tejido
Que ando cargando bajo la piel
Así te protejo
Aquí…

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El poema habla de ese amor que nunca se olvida y perdura toda la vida, a pesar de que la persona amada no se encuentre físicamente con nosotros y se ha ido. El motivo de la ausencia es indiferente. Da igual que sea ruptura, fallecimiento o circunstancias personales. Lo importante es que el sentimiento permanece ahí por mucho que pasen los años, nos hagamos mayores o nos alejemos geográficamente del ser amado.

Los primeros versos nos evocan al poema épico y la novela idealista (sobre todo, la bizantina, la morisca y la de caballería, en las que predomina un espíritu aventurero). La voz lírica se halla inmersa en diferentes trances y hazañas, propias de un héroe que viaja por el mundo, tal como se expresa en la enumeración: sigo cruzando ríos, andando selvas, amando al sol.

Sin embargo, este peregrinaje no es físico, sino espiritual. Es el periplo de la vida. La existencia humana conlleva un proceso, el cual tiene un principio, un desarrollo y un final; y se divide en etapas o ciclos. El hombre sigue un camino, un recorrido, un trayecto, una expedición, una travesía (usad el sinónimo que queráis, siempre y cuando se interprete en sentido metafórico)

Todos trazamos nuestra propia senda. Cada uno la suya, igual que el yo poético de la canción. El camino está lleno de experiencias, vivencias, situaciones, sucesos... Nos van a pasar muchas cosas, ya que estamos sumidos en una continua búsqueda, como la protagonista del tema. Todos queremos ser felices, cumplir nuestras pasiones, deseos, sueños, aspiraciones. En definitiva, buscamos autorrealizarnos como seres humanos, y eso nos obliga a interactuar con el mundo, y por ende, nos ocurran cosas.

Las estructuras en paralelismo dan intensidad y épica a este proceso vital: gerundio (cruzando, andando, amando) + complemento directo que alude a un elemento de la Naturaleza (ríos, selvas, el sol). La existencia es como una aventura llena de lances, eventos y percances, que provocan emociones fuertes en nosotros. Somos como los personajes de una novela. A veces estamos arriba, y otras abajo.

El verbo seguir (sigo cruzando…) implica continuidad. Aunque en este viaje ocurran hechos trascendentales que nos marcan para siempre (en el caso de esta composición, la persona amada se aleja de la protagonista), la vida no se para, el mundo no deja de girar, hay que reanudar el camino. De ahí que el yo poético realice estas gestas a pesar del final de la relación. Aunque el amado se haya ido, ella prosigue con su vida (nuevos lugares, nuevas gentes, nuevas historias y situaciones…). Se ha acabado un capítulo, episodio, apartado (como queráis llamarlo) de la novela, pero el libro tiene más contenidos jejeje.

Los elementos vinculados a la tierra (río, selva, sol) metaforizan la belleza de la existencia humana, y a la vez, su espíritu salvaje. Nosotros vemos un bosque frondoso, una corriente de agua o la luz solar y nos quedamos embobados con su majestuosidad, su encanto, su hermosura, su atractivo. Es bonito de ver. Lo más cercano a la perfección.

Pero también, nos da miedo, respeto, temor: la selva es peligrosa (hay fieras, barrancos, nos podemos perder en ella…); la corriente de agua es brava (nos arrastra, nos ahogamos…); el sol, puede ser cruel (gracias a su lejanía da vida al planeta, pero si nos acercáramos a él, las temperaturas de 1000 grados nos matarían).

Los elementos telúricos (sol, río, selva) representan la pureza de la vida humana, tanto en los momentos placenteros, como en los dolorosos. Como dice Luz Casal en su famoso tema Besaré el suelo, cuanto más bella es la vida, más feroces sus zarpazos. La existencia en su máximo esplendor, sin artificios ni maquillajes. De ahí la presencia de una Naturaleza virgen.

Unas veces reiremos, lo pasaremos bien, tocaremos el cielo, nos extasiaremos de felicidad. Otras, lloraremos, estaremos jodidos, nos querremos morir. Una de cal y otra de arena (como diría la cantante Merche). En ambos casos, hay que seguir adelante en nuestro periplo vital y seguir buscando, como hace la voz lírica. La vida es una lucha continúa (citando a Pío Baroja)

El conflicto, el dolor y la pena marcan al yo poético en su camino. Esto se expresa con la metáfora clásica del elemento punzante: cada día sigo sacando espinas de lo profundo del corazón. La espina de Antonio Machado (o el clavo de Rosalía de Castro) representa la aflicción que producen los desencantos vitales. Los objetos que tienen punta hacen daño, provocan sufrimiento (al alma humana). La vida te da palos. En este poema, se ha ido la persona amada.

El circunstancial de frecuencia (cada día) y la perífrasis progresiva (sigo sacando) circunscriben la angustia al ámbito de lo permanente. Todos convivimos con ese sentimiento de tristeza, fruto de los desengaños que nos da la vida. La pesadumbre es una constante del ser humano. Es un componente inherente de la existencia. Las experiencias malas están ahí siempre, y tarde o temprano vamos a pasar por una.

No obstante, la protagonista evita caer en el pesimismo y la depresión más absoluta: en la noche sigo encendiendo sueños para limpiar con humo sagrado cada recuerdo

La noche, al igual que la espina, funciona como metáfora de la amargura y el pesar del alma. Es el momento del día en que no alumbra la luz del sol, y la vida en el mundo exterior deja de fluir (la gente se retira para descansar). Por tanto, fruto de esas decepciones, el corazón humano se vuelve oscuro, solitario y muerto.

Sin embargo, la voz lírica, en lugar de abandonarse a sí misma y zozobrar anímicamente, decide combatir al desencanto con el poder y la fuerza de su mente. De ahí la imagen iluminativa (encender sueños).

En otras canciones (sobre todo en copla) vemos a mujeres regodeándose en la miseria emocional y la pena, con un dramatismo exacerbado ante la ausencia del amado. Aquí, el yo poético se enfrenta a la decepción evocando los grandes momentos vividos con esa persona. Es una forma de encontrar consuelo, atenuar el daño, y también, prolongar el sentimiento amoroso, y que este perdure a pesar de que físicamente no esté el ser querido.

El recuerdo de lo vivido nos da fuerza y motivación para seguir caminando en la vida. El sueño funciona como principio iluminador, creador, enérgico, estimulador, que purifica la memoria: para limpiar con humo sagrado cada recuerdo

Nuestras vivencias (en este caso, positivas) quedan almacenadas en la consciencia. Es un tesoro muy grande que llevamos dentro de nosotros. Las podemos utilizar en nuestro beneficio, para levantarnos cuando estemos mal. Por eso, hay que conservarlas, cuidarlas, mimarlas…De ahí la metáfora de la purga (limpiar con humo). Igual que ordenamos y sacamos brillo a nuestras casas, también debemos hacerlo con nuestros recuerdos. Nos pueden ayudar e impulsarnos en los momentos de decadencia.

 El humo no es un elemento tóxico y dañino. Va acompañado de un adjetivo con connotaciones trascendentales (humo sagrado). Ya sabéis que todo lo relacionado con la divinidad y el culto religioso tiene mucho valor en las sociedades. La humareda representa la fuerza de la voluntad de nuestra mente: el querer estar bien, no hundirnos, seguir adelante. Es el instinto de supervivencia, que Dios nos ha dado.

Si la persona amada se aleja (como le sucede a la protagonista), no hay que caer en el desconsuelo. Recordar las grandes vivencias nos da la energía para continuar en la vida, ya que es una forma de percibir el amor. El hecho de que alguien no esté físicamente con nosotros no quiere decir que se acabe el sentimiento. La pasión perdura en nuestra mente, y nos aporta la misma plenitud.

Por eso, la voz lírica no se desvincula de su amado. Lo tiene presente en todo momento. Lo lleva dentro de sí: cuando escribe tu nombre en la arena blanca con fondo azul, cuando mire el cielo en la forma cruel de una nube gris, aparezcas tú

Cualquier elemento o estampa del mundo tangible sirve de inspiración para evocar a ese ser tan maravilloso, tal como se expresa en el paralelismo: conjunción subordinada temporal (cuando/cuando) + verbo (escriba/mire) + complemento directo (tu nombre/el cielo) + complemento circunstancial (en la arena blanca con fondo azul/ en la forma de una nube gris).

¿Qué significa esto? La persona amada está en todas partes, es omnipresente, como si fuera un Dios. Cuando quieres a alguien con ese grado de máxima intensidad la llegas a considerar una especie de divinidad, a la que adorar y venerar.

Las formas verbales de primera persona (escriba, mire) comparten espacio estrófico con las marcas de segunda persona, ya sean en forma de posesivo (tu nombre), verbo (aparezcas) o pronombre personal (tú). A pesar de la separación física de los amantes, la conexión en el sentimiento no se ha roto. Siguen vinculados, unidos, fusionados, atados, asociados, ligados desde un punto de vista afectivo. Ella lo sigue queriendo a pesar de no estar.

En este segmento de la canción, la adjetivación resulta colorista, viva, modernista (arena blanca, fondo azul, forma cruel, nube gris). Esto se debe a que la pasión es intensa, fuerte, verdadera, tan pura y esencial como la Madre Naturaleza.

El yo poético se para a contemplar el camino recorrido con el objetivo de recordar los buenos momentos con esa persona, y reconfortarse: una tarde suba una alta loma, mire el pasado, sabrás que no te he olvidado. Hace un ejercicio de autoanálisis e introspección.

El yo poético muestra al paisaje (las lomas, la tarde) lo que habita en las profundidades de su alma. Al echar una mirada hacia el fondo, subyace la memoria feliz, la memoria alegre de un efecto, una otredad que construye una memoria inquebrantable. La voz lírica se desnuda ante la Naturaleza (emocionalmente). El entorno y la protagonista se funden, crean una alianza inquebrantable con el objetivo de indagar en lo más hondo del corazón humano.

La chica se dirige explícitamente a su amado: sabrás que no te he olvidado. Hay un sujeto elíptico y una forma verbal en primera persona ([yo] no te he olvidado] dirigidas a otro sujeto omitido y otro verbo en segunda persona ([tú] sabrás).

Evidentemente, no hay contestación. El interlocutor no responde, ya que no está con ella. No obstante, la protagonista se siente tranquila, serena, confortable y en paz consigo misma al hablar con y hacerle saber que no lo ha olvidado, y todo lo vivido con él forma parte de su consciencia. Lo lleva guardado como si fuera un tesoro. En lo más extraño, en lo más inverosímil y en lo cotidiano emerge su recuerdo y la consciencia de su memoria.

Ella toma palabra como si él lo estuviera escuchando (aunque realmente no esté presente) para comunicarle que su amor hacia él sigue siendo igual de puro y sincero que siempre. El hecho de expresar tus emociones, sensaciones y sentimientos te fortalece, te libera de tensiones, te vivifica. Tragarse las cosas no es bueno para el alma. Por eso la chica habla con él.

En el estribillo, la raíz funciona como metáfora de la profundidad del sentimiento amoroso. La pasión es tan grande, que él forma parte de ella: yo te llevo dentro hasta la raíz. Esto está influido por el lenguaje de la mística, y más concretamente por su fase final, la llamada vía unitiva: dos almas se encuentran y se funden en un solo ente, ya que el amor entre los dos es PERFECTO, SUBLIME, INTRÍNSECO, INHERENTE. La pasión es incondicional, forma parte de ellos de una manera natural. Se quieren porque sí. 

El amado no es solo una memoria apacible. También es consustancial, abarcante. Está anclado, atado, unido, soldado a la protagonista, como la raíz del árbol a la tierra nutricia. No se pueden separar. Forman una unidad irrompible e indestructible (aunque él ya no esté).

En la poesía mística es normal asistir a representaciones de inclusión entre las almas, en las que un miembro se representa como una parte o elemento integrado en el otro: yo te llevo dentro.

Por mucho que la biología y el devenir vital sigan su curso, el amor permanece inalterable: y por más que crezca, vas a estar aquí. Aunque pasen los años y el árbol se haga grande, el yo poético mantendrá ese fervor y esa idolatría hacia el amado. La pasión perdura toda la vida, independientemente de que estén o no juntos. Como veis, el amor es tan grande que desafía las leyes de la Naturaleza.

Cuando quieres a alguien tanto es imposible ocultar el sentimiento. No puedes esconderlo por mucho que quieras. La subordinada concesiva indica que por muchas trabas y obstáculos que haya en el camino, si hay amor, el vínculo con esa persona es perpetuo: aunque yo me oculte tras la montaña y encuentre un campo lleno de caña, no habrá manera, mi rayo de luna que tú te vayas. Te unes a esa persona para toda la vida (sentimentalmente).

Las formas del relieve (montaña, campo) son una metáfora de las dificultades externas para la consecución del amor. Ya hemos dicho que la Naturaleza, a veces, es cruel, y las cosas no salen como uno quiere. Las circunstancias pueden entorpecer, estorbar, complicar, pero al final, si dos personas están destinadas a quererse, por muchos escollos que haya en el camino, la fusión entre los amantes es inevitable. Es imposible huir del sentimiento verdadero. Al corazón no lo engañas.

La protagonista se dirige al amado con un vocativo afectivo (mi rayo de luna). El posesivo expresa una relación de pertenencia. Este amor, este sentimiento (que no persona) es suyo y solo suyo (del yo poético). Es propio, personal. Y da sentido a su vida. Sin ese vínculo, ella no es nadie.

La imagen del rayo lunar está influida por la mística. Un alma solitaria se encuentra infeliz, amargada, triste. Ve que su vida no tiene sentido. Necesita a otra alma. La oscuridad, la noche y el vacío son metáforas típicas para representar ese estado de angustia y “aislamiento”.

Cuando esta alma descarriada se percata de la existencia de otra alma, entra en deseos de unirse a ella. Ve que la existencia empieza a cobrar significado. La luz es la metáfora típica para representar este momento. Su fulgor nos guía hacia esta otra alma.

Por eso el amado se asocia con el rayo lunar. Es un halo de iluminación en medio de la oscuridad. Gracias a él, la vida del yo poético adquiere sentido. Si está triste, el hecho de pensar en él le alegra el día. Si se encuentra sola, evoca sus recuerdos y ya se siente llena de amor. Lo que da luz a la existencia no es la persona, sino el sentimiento hacia ese ser. La entidad amada se puede ir, pero el vínculo es tan grande que resulta imborrable y marca de por vida.

La segunda estrofa es una reafirmación del estribillo. La integración entre los amados es impecable, óptima, completa. Esto se expresa con un par de metáforas extraídas del mundo textil y dérmico: este tejido que ando cargando bajo la piel

El yo poético no concibe al amado como un vestido (capa externa), sino como un cacho de su piel (capa interna). Lo sitúa en el plano de lo profundo, en vez de lo superficial. La perífrasis progresiva (ando cargando) proyecta el vínculo hacia la eternidad. A esta persona la va a llevar SIEMPRE en su corazón. 

Esta unidad con el otro da protección, amparo, abrigo, seguridad, energía para seguir viviendo (cruzar esos ríos y selvas de la primera estrofa). Cada experiencia vivida teje una red de certidumbres en medio del caos, del desasosiego y de la duda que genera el propio proceso vital: pienso que cada instante sobrevivido al caminar, cada segundo de incertidumbre, cada momento de no saber, son la clave de este tejido que ando cargando bajo la piel.

En las circunstancias más desafiantes y desfavorables la fusión entre las dos almas permanece vigente. Muchas veces, no sabemos qué hacer con nuestra vida, tenemos miedo, dudamos de nuestros actos, nuestras inquietudes no son resueltas, nos sentimos mal y queremos llorar. Con una persona tan importante en nuestro corazón, la cuesta arriba se hace más llevadera.

El paralelismo acentúa los segmentos más conflicticos y problemáticos de la vida: indefinido (cada/cada/cada) + sustantivo de carácter temporal (instante/segundo/momento) +complemento (sobrevivido al caminar/de incertidumbre/de no saber). Todas las personas pasamos por periodos críticos en nuestro periplo existencial, que ponen nos ponen a prueba como seres humanos, y gracias al amor, los solventamos con eficacia.

La predicación modal del último verso resume/sintetiza el contenido de toda la estrofa: así te protejo. Se trata de un final inductivo: de las afirmaciones particulares e individuales se extrae una conclusión general.

Métricamente, el poema es irregular. Alterna caóticamente versos de arte mayor (una tarde suba una alta loma) y menor (aparezcas tú). La rima va por libre, excepto leves asonancias al final de algunos versos (sol/corazón, sueños/recuerdo, pasado/olvidado, raíz/aquí, saber/piel, montaña/caña)